Eruda es una gigantesca escultura icónica de un niño que vende libros en los semáforos de Mumbai. Los niños (quienes a veces suelen ser analfabetos) a menudo venden estos libros con autoridad, participando de manera juguetona en conversaciones sobre el valor de interés del libro; su rigor, audacia y resistencia los convierten en modelos de la resiliencia de una ciudad como Mumbai. La escultura de Kallat tiene pies en forma de casa, hacienda alusión a la imagen prototípica de un nómada cuya casa es donde pone sus pies. Tratado con plomo negro, Eruda asegura que te llevaras una mancha negra en los dedos si decides tocarlo. El plomo negro es la forma más suave de carbono, mientras que el diamante sigue siendo el más duro.

La idea del Pop Shop Tokyo nació tras el éxito del Pop Shop en Nueva York que abrió en 1986. El Pop Shop en Nueva York se convirtió en un lugar clave en su práctica artística: en este espacio, y en línea con la filosofía del arte pop, su arte era accesible para todos, vendía camisetas y artículos novedosos con las imágenes de sus obras y las de otros artistas contemporáneos como Kenny Scharf y Jean-Michel Basquiat. A finales de 1987, Keith Haring viajó a Japón y adquirió dos contenedores de 40 pies que se convertirían en la infraestructura de uno de sus proyectos de mayor escala. Pintó y amuebló los interiores con paneles de madera pintados a mano, creando una experiencia inmersiva en su línea de trabajo estético. En enero de 1988, Pop Shop Tokyo abrió sus puertas en la capital de Japón con la intención de continuar el espíritu de la tienda Pop Shop en Nueva York compartiendo su filosofía de arte para todos. Sin conocer su paradero y después de una larga búsqueda, pasaron a formar parte de la colección de Lio Malca en 2004.

Holton Rower es un artista que actualmente vive y trabaja en la ciudad de Nueva York, y asistió a The Putney School en Vermont. El trabajo de Rower ha sido objeto de numerosas presentaciones individuales tanto en los Estados Unidos como en el extranjero, incluyendo exposiciones recientes en VENUS LA en Los Ángeles, The Hole en Nueva York y Arthur Roger Gallery en Nueva Orleans; y previamente en Galerie 6 en Aurau, Suiza, Galleria Maeght en Barcelona, Galerie Maeght en París, John McWhinnie en Glenn Horowitz Booksellers en Nueva York y Cencebaugh Contemporary en Nueva York. Su trabajo también ha sido presentado en exposiciones colectivas, recientemente en el Dubai Moving Image Museum, así como en numerosas publicaciones y libros de artistas, incluyendo “Pour” (2012), “Scrap” (2010), “Jaw Law” (1999) y “Nettles” (1991), un libro de fotografías, poemas y dibujos publicado por Flockophobic Press. Las obras más recientes de Rower son una poderosa exploración del movimiento, el color y la forma. Al trabajar con la gravedad mientras vierte pintura sobre varios dispositivos, sus obras se convierten en instantáneas psicodélicas de su proceso artístico. Obras pasadas incluyen esculturas construidas con una variedad de materiales no tradicionales, como cabello humano, billetes de dólar, candados transformados y anzuelos de pesca. Si bien trabaja con una amplia variedad de significados, todas las obras de Rower examinan los procesos y métodos de creación y revelan la vitalidad inherente que se encuentra dentro de cada pieza.

Desde 1994, al fundar su propia compañía de producción artística, el destacado artista contemporáneo tailandés Navin Rawanchaikul ha estado trabajando para cerrar la brecha entre el arte y la vida en sus diversos proyectos. Sus obras, como él mismo escribe, “se basan en gran medida en el espíritu de equipo y la colaboración”, e incluyen actuaciones, películas, proyectos de arte público, libros de cómics, mercancía y un “partido político” cuya plataforma es conectar a las personas llamadas Navin en todo el mundo. Estos proyectos irónicos surgen del descontento de Rawanchaikul con lo que él percibe como la insularidad del mundo del arte. Quiere transformar el arte en un producto para el consumo masivo, sin comprometer su integridad. Este objetivo democrático acelero el experimento que lanzara su carrera, “Navin Gallery Bangkok” (iniciada en 1995), un taxi-galería que sorprendía a pasajeros desprevenidos con una experiencia de arte móvil y que modela un sistema mucho más generoso para distribuir y presentar obras. de arte.

Según Scharf, “Este apodo de Tiki Totem es una fantasía hecha realidad. Realizar algo de esta magnitud va más allá de mis más locos sueños. Me encanta la forma en que se relacionan con la cultura del noroeste del Pacífico, así como con la cultura Tiki universal, que se extiende desde el Pacífico Sur pasando por el Noroeste y hasta Alaska. Como he dicho antes, el arte debe, ante todo, ser divertido, y estas enormes formas 3D transmiten eso perfectamente.”

Dejando atrás las exploraciones puramente abstractas del lenguaje escultórico en la serie “Estructura”, en 1997 Sui Jianguo comenzó a trabajar con el tema representacional del traje Mao (conocido en chino como Zhongshan o traje Sun Yat-sen). Al crear la serie » Legacy Mantle¨, captó este símbolo totémico colectivo de varias generaciones chinas y fue invitado en repetidas ocasiones a exposiciones itinerantes internacionales, convirtiendo este proyecto en uno de los más importantes en su práctica. Aunque el traje en cuestión fue diseñado para Sun Yat-sen y lleva su nombre en chino, se volvió popular tanto en la China continental como en el extranjero solo después de que Mao Zedong comenzara a usarlo regularmente, convirtiéndose en un símbolo del régimen comunista.

Originalmente conocido como traje Zhongshan, el uniforme pasó a ser conocido en Occidente como traje Mao porque fue este último líder quien decidió usarlo con mayor regularidad. Mao Zedong y el pueblo chino comparten un vínculo inseparable de sentimentalismo, como se demuestra en Legacy Mantle, una obra a gran escala de esta serie producida en 1997.

Con enormes dimensiones e inmensamente pesada, se alza alto como un monumento para el pueblo chino, representando no sólo el régimen comunista sino más bien los profundos recuerdos del período anterior a la Reforma y la Apertura que han desaparecido silenciosamente. En 2011, China se presenta como una potencia internacional, pero quizás ahora más que nunca se requiere un monumento como Legacy Mantle para documentar y reflexionar sobre el siglo pasado, permitiéndonos avanzar hacia una nueva era.

Combinando temas de la cultura pop con técnicas que evocan a los antiguos maestros, Mark Ryden ha creado un estilo singular que difumina los límites tradicionales entre el arte elevado y el bajo. Su trabajo llamó la atención por primera vez en la década de 1990 cuando introdujo un nuevo género de pintura, el “Surrealismo Pop”, conquistando a una serie de seguidores. Ryden superó las estrategias surrealistas iniciales al elegir temas cargados de connotación cultural. El vocabulario de Ryden va desde lo críptico hasta lo lindo, trazando una delgada línea entre el cliché nostálgico y el arquetipo inquietante. Seducidos por sus superficies infinitamente detalladas y meticulosamente esmaltadas, los espectadores se enfrentan a la yuxtaposición de la inocencia infantil y los misteriosos rincones del alma. Una sutil inquietud habita en sus pinturas; la obra es dolorosamente hermosa ya que insinúa cosas psíquicas más oscuras debajo de la superficie del kitsch cultural. En el mundo de Ryden, niñas querubines se codean con figuras extrañas y misteriosas. Marcos ricamente tallados les otorgan a las pinturas una exuberancia barroca que añade profundidad a sus temas enigmáticos.

El artista afirmó: “La pintura original ha estado en la colección de Lio Malca en Nueva York desde 2005 y gracias a su continuo apoyo, ha sido incluida en algunas de las exposiciones más importantes de mi obra hasta la fecha. Lio ha sido un gran impulsor de mi trabajo y fue un placer pensar en cómo hacer posible el incluir esta obra en Casa Malca. Debido a los desafíos de seguridad y las condiciones climáticas, la mejor manera de instalarla fue mediante una impresión de gran tamaño que se exhibirá en Tulum. Luego, autorizé y regalé esta pintura a Lio”